TOP 10 Jugados 2016

Se termina el año 2016 y como siempre empiezan a surgir en los distintos medios top’s de los juegos de 2016. Yo, como estudiante sin recursos que soy, no he podido jugar a 10 juegos salidos este año. En lugar de elaborar un top incluyendo los juegos de 2016 que he jugado y meter a todos, he decidido crear mi top de juegos jugados en 2016. Esto ya es algo que hice en Twitter el año paso, cuyo top fue:

1- Metal Gear Solid V: The Phantom Pain

2- The Witcher 3: Wild Hunt

3- Bloodborne

4- The Last of Us

5- Dark Souls 2: Scholar of the First Sin

6- Dragon Ball Xenoverse

7- Hotline Miami

8- Uncharted 2: El reino de los ladrones

9- Oddworld: Abe's Oddysee (PS4)

10- Apotheon

Fue un buen año, sin duda. 

Este año vuelvo a ello. La lista de juegos de las que han salido los ganadores es la siguiente:

Uncharted 3: La traición de Drake	Grim Fandango
Fallout 4	Punch Club
Wolfenstein: The New Order	God of War 3 (PS4)
Broforce	Dark Souls 3
Zombi U	Shovel Knight
The Evil Within	Assassin’s Creed Syndicate
Gone Home	Furi
Saint’s Row: Gat out of Hell	Hotline Miami 2: Wrong Number
Uncharted 4: El desenlace del ladrón	Journey
Lords of the fallen	Resident Evil HD
Mafia 3	Ratchet and Clank (PS4)
Battlefield 1	Just Cause 3
Dishonored 2	Let it Die

Por motivos un poco obvios, he omitido las expansiones (como Blood and Wine, de The Witcher 3) y los juegos que he jugado después de mucho tiempo (como Metal Gear Solid 2) o las remasterizaciones a las que he jugado pero anteriormente ya lo había hecho, concienzudamente además, como Skyrim.

No obstante me gustaría hacer una mención especial a cuatro expansiones: la ya mentada Blood and Wine de The Witcher 3, The Old Hunters de Bloodborne, la trilogía de las Coronas Perdidas, de Dark Souls 2 y Ashes of Ariandel, de Dark Souls 3.

Empezando por la ultima, Ashes of Ariandel, no es que sea una gran expansión la verdad, simplemente es notable, pero nos enfrenta contra uno de los mejores bosses de la saga Souls (fácilmente está entre los 5 mejores) y ya por eso se merece esta mención, porque crean un combate (y ambientación) que simplemente pasarán al recuerdo.

Todo lo que se diga de The Old Hunters se queda corto. Es sin duda uno de los mejores productos que ha dado la saga Souls, tanto por ambientación, como por armas y bosses. Ahí tenemos a Lady María, otro boss que fácilmente entra en el top 5 de la saga Souls, por lo que supone y por todo lo que la precede. Cierto es que The Old Hunters resultó ser la expansión de la unión de dos DLC’s y por ello quizás sea bastante superior a Ashes of Ariandel, pero esto no lo quita mérito alguno.

Dark Souls 2 es un grandísimo juego, pero el peor Souls: tiene un mal diseño de niveles y en su mayoría es más injusto que exigente, como el resto de Souls. No obstante cuenta con una trilogía de expansiones exquisitas que me animé a probar mucho tiempo después de finalizar el juego base, y menos mal. Estas expansiones mejoran tremendamente el diseño de niveles, poniéndolo a la altura que se merece la saga. Además incluye también alguno de los mejores bosses de la saga y se puede empezar a ver lo que se potencia en Bloodborne y Dark Souls 3: las diferentes fases en estos enfrentamientos.

Pero sin duda una de las sensaciones del año y que hubiera estado en el top 3 de esta lista de haberla incluido, es Blood and Wine, la expansión de The Witcher 3. Podríamos estar hablando de un nuevo videojuego, pues os aseguro que hay secuelas de videojuegos más cortas y con menos evolución que lo que supone Blood and Wine. La expansión supone un lavado de cara brutal a la ambientación del The Witcher 3 original, donde predominaban los colores fríos y apagados y la cruda decadencia de la guerra, por un ambiente mucho más colorido y medieval hasta el punto que parece sacado de un cuento (y vaya, durante la expansión podemos ver precisamente eso). Además cuenta con una buenísima historia, menos épica que la del juego original pero que sin duda nos atrapa desde el minuto uno.

Pero bueno, mis taberneros, vayamos ya a por el top que todavía nos dan las uvas aquí.

10. Furi

Efectivamente, el juego aquel que regalaron con el PS Plus. Furi es un juego que se resume en distintos combates contra jefes finales, no hay más que eso a parte de una trama que bueno, esconde alguna sorpresa. Es un juego que a los amantes de los Souls y los retos les encantará, pues el cabrón es jodidamente difícil y castiga mucho al jugador (tener que empezar un combate desde cero porque te has equivocado en un movimiento y has muerto después de 10 minutos de pelea, duele). Pero una vez que dominas las técnicas del juego y más o menos te haces con los bosses, es una gozada.

9. Fallout 4

Ha pasado casi un año desde que lo probé pero no lo incluí en el top pasado por el poco tiempo que había invertido en él. No os voy a engañar: he dudado mucho entre sí meter el juego o no. Mis dudas basicamente residían en lo frío que me dejó el juego tras unas 70 horas. Aquello no era ni la mitad de bueno que Fallout New Vegas. Pero joder, me tuvo 70 horas enganchado y aún me quedaban un porrón de cosas por hacer, así que algo bueno me ofrecería durante ese tiempo. Decidí dejar el hate de lado y mirar las cosas buenas del juego, y es que sin duda te deja momentos de esos aleatorios que pasan a la historia. Ya no lo tendré instalado en mi PS4 por falta de espacio y quizás no lo haya disfrutado lo suficiente, pero no es tan mal juego como lo solía pintar personalmente en Twitter.

8. Assassin’s Creed Syndicate

Soy un fan de la saga Assassin’s Creed y excepto Unity y la tercera entrega numerada de la saga todos me han parecido muy buen juego. Con este Assassin’s Creed volví a sentir un poco las sensaciones relacionadas con el Fruto del Edén y demás que trasmitían los primeros juegos, ese misticismo que se estaba perdiendo. La sobresaliente ambientación y recreación de Londres, la trama que si bien no es perfecta sabe acompañar, un porrón de actividades más o menos divertidas, la agilidad del movimiento, la personalización y, sobretodo, tener a un personaje tan bueno como Evie. La saga necesitaba el descanso que le están dando, pero este juego es realmente bueno dentro de la saga.

7. Ratchet and Clank (PS4)

El reboot de la saga, y vaya reboot. Con Ratchet and Clank tenemos un pseudo plataformas shooter que es absolutamente disfrutable por cualquier persona sin importar su edad. Es un juego divertido en el más amplio sentido de la palabra. Es cierto que en el nivel normal no supone un gran reto, pero sí tiene la habilidad de mantenerte enganchado tanto por lo adictivo de su gameplay como por su trama, que no es que sea gran cosa, pero te sabe llevar. ¡Ah!, y los personajes claro, que no solo es el dúo protagonista, todos (hasta los enemigos clónicos) tienen algo que por lo menos te arrancan alguna sonrisa.

6. Shovel Knight

El caballero de la pala es uno de los personajes más conocidos del mundo indie, y por meritos propios. Estamos ante un juego que ha marcado, quizás por su recuerdo (al menos a mí) a Megaman, lo sencillo de su gameplay y el reto que supone algunas de sus fases. Los imaginativos y variados mundos, los distintos caballeros a modos de bosses, los personajes secundarios y antagonistas…todo lo que rodea a este juego derrocha personalidad. Además su politica de expansiones gratuitas es para comerle los morros a sus diseñadores.

Entramos en el TOP 5. Aquí ya ha sido mucho más complicado elegir el orden, y es que todos los 5 que entran en el olimpo están bastante por encima de los anteriores. Son juegos que considero prácticamente perfectos. Vamos a ello.

5. Hotline Miami 2: Wrong Number

En el TOP 10 del año pasado, el juego predecesor a este se situaba en séptima posición, pero esta secuela para mí es superior a pesar de que para algunos no. El juego se desarrolla antes, durante y después de los eventos del Hotline Miami original, completando y añadiendo datos a una historia intrincada pero sublime a la par. En serio, tiene una de las historias más locas y elaboradas que he visto. Su frenético gameplay moldeado con distintos personajes con diferentes formas de proceder y, por tanto, limitaciones y ventajas, los secretos que esconde el juego… son demasiadas cosas lo que hacen a este juego tan grande y es imposible transmitir a golpe de letra lo que se siente al avanzar por las distintas fases reventando cabezas con su exquisita música de fondo.

4. Uncharted 4: El desenlance del ladrón

No soy un gran fan de esta saga en comparación con la mayoría de los poseedores de una PS4. He jugado a todos sus títulos y los considero juegos muy buenos, pero ya. En cambio esta cuarta entrega me ha sorprendido a todos los niveles. Ya no solo es que luzca de lujo y pula un gameplay hasta ser casi perfecto, es que además esta entrega eleva mucho la carga narrativa y vaya, le sienta genial. Es cierto que no es una saga que destaque por sus tramas, y esta cuarta entrega no es que rompa la regla, pero sí tiene una trama mucha más interesante (a mi parecer) y sobretodo más llevadera. Unos personajes con una manera de actuar sobresaliente, con una naturalidad que joder, merece mucho la pena ya solo por eso. No sé, en mi opinión es el mejor de la saga tanto por momentos como por gameplay y trama. Es el broche de oro a una saga que, si bien no parece que vaya a terminar, al menos sí dejan al bueno de Nate de lado.

3. Grim Fandango (PS4)

La medalla de bronce se la queda esta auténtica JOYA de juego. Tiempo ha ya había oído hablar de Manny Calavera y su aventura, pero nunca me había llegado a interesar hasta que regalaron el juego con el PS Plus. Un amigo de los albores de internet, Ray, me recomendó encarecidamente que lo jugase y…le estaré eternamente agradecido. Grim Fandango no es un juego que te vaya a flipar con unos gráficos y o una jugabilidad impresionantes, que va. Grim Fandango es una aventura gráfica basada en una serie de pseudo puzles con los que vamos desarrollando una trama que no es que sea la más original y misteriosa del mundillo, pero engancha. Y joder, no digo engancha con la boca pequeña, es una trama para el recuerdo por los personajes que aparecen en ella. Y es que Grim Fandango es eso, un conglomerado de personajes, de diálogos y de situaciones que simplemente te dejan maravillado. ¿Qué es lo que se recuerda de Grim Fandango al final? Pues a Manny y sus poemas, los diálogos con nuestro inseparable compañero Glottis, al hijo de puta de Domino, los niños enjaulados, los acentos, Chepito… La lucecita del mar, voy dejarla birlla, la lucecita del mar, voy dejarla brillar…. Este juego ha marcado un antes y un después en vida como jugador, sin duda.

Antes de decir los dos puestos más altos de este top debo aclarar una cosa. Me ha costado MUCHO decantarme por cual elegir como vencedor. Siendo objetivos y sobre el papel ambos juegos tienen exactamente las mismas carencias y virtudes. Son juegos quizás demasiado continuistas respecto a sus predecesores. Aportan más bien poco como novedad y se limitan a pulir una formula ya perfecta. Y es que es eso, tienen formulas tan perfectas que no hacía falta reinventarlas, solo mejorarlas ligeramente. Ambos juegos son únicos en su género. Ambos tienen una personalidad fortísima y ambos son reconocibles a simple vista. También ambos hacen un uso del diseño de niveles espectacular. Ambos son tremendamente parecidos, como he dicho, en sus puntos más fuertes y más débiles, por ello me he quedado con lo que me han transmitido a la hora de jugarlos, y ha sido ahí donde la balanza de ha decantado.

2. Dishonored 2

Como he mencionado antes, su principal defecto es que es muy continuista respecto a su predecesor. Tenemos una trama y gameplay bastante similares pero… ¿qué importa? Dishonored 2 es una joya jugable, disfrutable de principio a fin. Cuenta con un diseño de niveles tremendamente trabajado que nos ofrece cientos de posibilidades a la hora de actuar, y es que el juego nos deja jugar como queramos; siendo unos reyes del sigilo no letales a unas auténticas máquinas de matar que despedazan a sus rivales a golpe de espada. Dishonored 2 deja paro a la creatividad, brindándonos un abanico de habilidades que nos permiten movernos por el escenario como mejor queramos. Pero también Dishonored 2 nos obliga indirectamente a jugar de una forma. El juego varía dependiendo de cómo actuemos. Siempre nos dará la oportunidad de matar o no (nos podemos pasar el juego con 0 ejecuciones). Si no matamos, obtendremos el mejor final. En cambio, llegamos al final del juego matando a todo lo que se mueve, no solo obtendremos un final malo, sino que además afectará al resto de población ajena a nuestra batalla. Y sí, esto es algo que también ocurría en el Dishonored original, pero joder, me parece una forma perfecta de combinar dos elementos como trama y gameplay. Bajo mi opinión, Metal Gear Solid V es el rey del sigilo, pero seguido tremendamente cerca de Dishonored 2, y es que el juego de Konami Kojima podría haber tomado nota de muchas cosas que ofrece Dishonored 2, como el espectacular diseño de niveles o su pseudo mundo abierto, que seguro que hubiera sido mejor que el mundo abierto de The Phantom Pain.

1. Dark Souls 3

Sí amigos, estaba cantado. Llevo estando seguro de que Dark Souls 3 es mi GOTY de los jugados en 2016 desde que lo terminé, y solo Dishonored 2 me hizo dudar. En el top del año pasado ya metí Dark Souls 2 y Bloodborne entre los 5 mejores, y es que con total seguridad no sentía algo así hacia una saga desde que conocí Metal Gear Solid, y ha llovido mucho desde entonces. Dark Souls 3 es continuista respecto a sus anteriores juegos. La verdad es que incluso Dark Souls 3 empeora en algunas facetas respecto a otros Souls. Por ejemplo, su diseño de niveles no es mejor que el de Dark Souls o el de Bloodborne. Sus jefes finales, pese a que ahora tienen fases (cosa que ya se hizo en algún DLC del criticado Dark Souls 2), no llegan a los niveles de los bosses de Bloodborne, pero ni de lejos además. Pierde el uso de antorchas que le dio Dark Souls 2, así como ideas tan buenas (para mí) como las Piedras de cierre de Pharros o las ramas de antaño fragante, por no mencionar que al menos en Dark Souls 2 las mejores armaduras, o al menos las más míticas como la de Havel estaban escondidas y no te las vendía una tipa que sale al principio del juego. Armaduras que por cierto, ya no se pueden mejorar y casi da igual como vayas. También se podría destacar que Dark Souls 2 hace un esfuerzo por contar una historia nueva. Dark Souls 3 tiene muchas cosas que para mí hace mal, pero destaca por encima de los otros en lo especial del camino. Y es que es eso Dark Souls 3, un viaje mágico. Un viaje que ya te conoces y que sabes que pocas veces te va a sorprender, pero cada tramo, cada descubrimiento, cada pequeño rastro de fan service…todo el conjunto hace que Dark Souls 3 sea uno de los mejores juegos que he jugado jamás. ¿Sabéis? Es difícil transmitir con palabras lo que un juego como Dark Souls 3 trasmite jugándolo, y quizás he mencionado más defectos respecto a predecesores que virtudes, pero imaginaos como es el juego para que, con todo, sea el mejor de una saga cumbre y esté en lo más alto de mi top.

Y esto ha sido todo, compañeros. No se cuan de acuerdo estaréis con mi top (con el orden, ya que como top de 2016 estaréis en desacuerdo por la cantidad de juegos que faltan porque no he jugado). En mi opinión ha sido un buen año videojueguil, aunque no a la altura de 2015 con esas tres joyas de la corona que antes mencioné, y es que tanto Blood and Wine como The Old Hunters han sido unas de las mejores sensaciones de este año, y no son más que expansiones de juegos del año pasado. Para 2017 hay algunos juegos que me llaman poderosamente la atención, como Ni-Oh (oh vaya, otro soul’s like), Horizon o Red Dead Redemption 2, además de la trilogía de Crash Bandicoot, los remaster de Kingdom Hearts 1 y 2 y juegos de 2016 como The Last Guardian o Final Fantasy XV.

En fin compañeros de taberna, alzad vuestras jarras y brindemos por lo bueno de este año y por lo mejor que venga en el siguiente. ¡Salud!

“Ser de la ceniza, ¿todavía escuchas mi voz?”

De Tony Soprano a Pablo a Escobar: La influencia de Los Soprano al drama televisivo.

Esta entrada contiene spoilers de Los Soprano, The Shield, Breaking Bad, Sons of Anarchy y Narcos.

Probablemente estamos en la época del "boom" seriéfilo, y es que estas han pasado a ser uno de los temas más recurrentes con los que entablar conversación. Series como Game of Thrones, Stranger Things, Narcos, Black Mirror o la mediocre pero archipopular The Walking Dead están en boca de todos. No obstante esto no es algo realmente nuevo. En menor medida, probablemente debido a lo limitado de las redes sociales de aquella época, hubo otra especie de "boom" con dos series que sin duda han marcado un antes y un después en el drama televisivo. Hablo, como no puede ser de otra forma de The Sopranos y The Wire, dos series que, sin ser mis favoritas, las catalogo de esenciales.

The Wire es una serie sobresaliente en todos y cada uno de sus aspectos y criticar algo de ella va en contra de todas las leyes naturales habidas y por haber. La menciono porque creo que es necesario, pero en el tema que quiero abordar no tiene cabida como sí la tiene The Soprano y, en especial, Tony Soprano.

Tony Soprano, interpretado por el magnifico y ya fallecido James Gandolfini, nos mete en la piel de las vivencias del jefe de la mafia de Nueva Jersey (o al menos actuando como tal) y a la vez de un cabeza de familia. Tony Soprano tiene dos caras bien diferenciadas. Por un lado tenemos al Tony jefe de la mafia, que es un completo psicópata y no duda en engañar, matar, traicionar o amenazar a sus seres más cercanos. Y por otro lado tenemos al Tony padre de familia, que se preocupa por mantenerla, alejarla de los problemas que derivan de su "oficio" y buscar siempre lo mejor para sus hijos. Pero como todo en la vida, es imposible mantener dos caras tan distintas separadas sin que haya algún punto en el que se unan, y ese punto se desarrolla en gran medida con Christopher Moltisanti, sobrino y protegido de Tony Soprano. La relación de Tony para con él es la que cabría esperar de alguien tan familiar y cruel como lo es el propio Tony. Chris se mete en la mafia de Nueva Jersey un poco por "hacer algo", es un chaval totalmente descarrilado que no sabe qué hacer con su vida, y sabe perfectamente que su querido tío Tony se ve un poco reflejado en él cuando era joven y sabe que le va a dar un trato especial. Pero conforme avanzan las temporadas y los demonios interiores de Tony se van haciendo más y más grandes, su faceta de familiar y mafioso se chocan constantemente contra Chris, que acaba desarrollando una especie de amor-odio por su tío. Sabemos que las cosas entre ellos no acaban bien, y el que hubiera sido el relevo de Tony en la mafia, acaba siendo asesinado a manos de este. Algo parecido también vemos en su relación con su primo Tony Blundetto, al cual también asesina. Por otro lado, vemos como con Carmela, su esposa, pasan unos momentos realmente jodidos, de llegar a separarse, pero cuando peor está Tony, hace lo imposible por volver con ella, aunque sabe que su relación se cimenta en la mentira y en el dinero. También vemos como aparta a su hijo de todo asunto relacionado con la mafia para protegerle. Y, ¿cual es la escena final de Los Soprano? Tony, Carmela y Anthony Jr. esperando a Meadow para cenar juntos en un restaurante, como cualquier familia feliz y reconciliada, mientras a su alrededor la cámara nos muestra a posibles candidatos a asesinar a Tony Soprano ahí mismo. Es un resumen perfecto de lo que sería la unión final de estas dos caras de Tony Soprano: la familiar y la criminal.

Ahora bien, este tocho a modo de leve resumen de The Sopranos, ¿a qué viene?. Viene a que me parecía importante desarrollar los puntos claves de Tony Soprano para hablar de las marcadas influencias que deja en Vic Mackey, Walter White, Jax Teller y el personaje televisivo de Pablo Escobar.

Vic Mackey es el protagonista de la poco conocida pero excelentísima serie "The Shield". Es el jefe de una brigada policial especial que se encarga de los asaltos a cuarteles de droga, prostitución y demás vicios ilegales con los que se lucran los malos en las series. El punto principal de este personaje es que, como no podía ser de otra forma, es un madero corrupto hasta la médula, además de ser uno de los mejores policías, por no decir el mejor. Al igual que Tony Soprano, separa lo que hace en el trabajo (la parte ilegal) de su familia. Vic Mackey termina metiéndose en un lío de proporciones épicas y acaba destrozando la vida de sus compañeros de equipo y la suya propia.

Walter White. El archiconocido Heisenberg. No conocer a estas alturas Breaking Bad está penado con 3 años de cárcel y una multa de 735.000 bolívares. Fuera coñas, creo que no merece presentación. Walter White es el más puro reflejo de Tony Soprano en la era post-Soprano. Un simple profesor al que le descubren cáncer y se mete a cocinar metanfetamina para generar todo el dinero posible para dejarselo a su familia antes de que la parca se reúna con él. Como es obvio el ego le termina pudiendo. El personaje que crea (Heisenberg) se como a su yo (Walter White) conforme van avanzando las temporadas. Lo que en un principio hacía por su familia, provoca que esta se vuelva en su contra y le acabe despreciando (y con razón). Al final tenemos a un Walter White que se da cuenta de lo lejos que ha llegado, de todo lo que ha apostado y todo lo que ha perdido. De que quizás todo aquello que creía tener bajo control no lo estaba, y su cáncer en lugar de acabar con él, se extendió por todo aquello que tocaba. Erving Goffman podía haber fundamentado su teoría en este personaje.

Jax Teller, protagonista de la infravalorada Sons of Anarchy. No os voy a engañar, Sons es mi serie preferida a sabiendas de que no es la mejor. Jax es el joven vicepresidente de la banda de moteros Sons of Anarchy. De primeras puede parecer algo bobo el chaval: es joven, guapo, tiene cierto poder y la vida le va bien. Coño, si hasta espera un hijo de la "ex" yonki de su novia. Pero vaya, todo se tuerce al nacerle el chaval más jodido que Naked Snake al ser tirado por The Boss puente abajo. Total, que se raya mucho y encuentra unos escritos de su padre en los que suspira por sacar a los Sons of Anarchy de la delincuencia y decide llevarlo a cabo. Se da cuenta de que no es tan fácil. Por el camino se casa con su novia de instituto, Tara, la cual no pega nada con la vida que lleva su marido. Volvemos a tener un personaje con dos caras el cual intenta separarlas a toda costa y esto termina por volverse en su contra. Tara es asesinada a manos de Gemma, la madre de Jax, lo que genera que este inicie una ola de extrema violencia que a punto está de terminar con los Sons of Anarchy. Jax termina remediando todo eliminando el factor causante: él mismo.

Pablo Escobar. Qué os voy a decir de este tipo que no sepáis. Es el antihéroe más conocido del momento. Seré breve. Al igual que muchos de los otros, es un personaje que empieza poco a poco y el ego le acaba consumiendo. Sus ansias de poder arrasan con todo. Pone a su país en jaque y a Estados Unidos en problemas. Intenta separar de todo esto a su familia, pero terminan pagando las consecuencias de sus actos. Hablamos de un psicópata que es capaz de estallar un avión de pasajeros solo por sus ansias de poder.

Si habéis llegado hasta aquí tenéis mi más sincera enhorabuena. Tras relatar el conflicto principal de Tony Soprano y pasar por encima las vivencias de los otros protagonistas, creo que la conclusión es obvia. Vic, Walter, Jax y Pablo beben del mismo termo que Tony. Son hombres malos, tipos que no deberían haber nacido. Todo lo que les rodea se termina pudriendo. Los cuatro protagonistas, al igual que Tony, tienen dos vidas completamente diferentes que tratan evitar a toda costa que colisionen, pero esa colisión se acaba produciendo tarde o temprano. Son personajes que infectan todo lo que está a su alrededor y para cuando quieren darse cuenta ya es demasiado tarde. Ya sea un policía corrupto, un cocinero de metanfetamina, un presidente de un club de moteros dedicados al tráfico de armas o un narcotraficante colombiano, todos ellos sin excepción, siguen la línea de Tony Soprano, al que el poder, el ego, la avaricia y, sobretodo, el conflicto latente entre sus dos personalidades, terminó arruinando la vida de sus más allegados y la suya propia.

¿Y repetir este patrón, como de bueno es?. Pues no sabría deciros. De las cinco series que trato, tres están en mi top 3 de series y las otras dos no se alejan de ellas. Al contrario de lo que muchos puedan pensar, Walter y Pablo no son personajes tan originales. Todos sus principales problemas ya los vimos en Tony Soprano. Pero joder, es bueno, es tremendamente bueno. La empatía que desarrollamos hacia el antihéroe es un vínculo fortísimo que nos empuja más y más a ver una serie. Puede que no sea una fórmula nueva ni original. Puede que esté más trillada de lo que quisiéramos. Puede que haya que ser un poco más exigentes a la hora de desarrollar un personaje. Pueden ser muchas cosas, pero no seré yo quién se oponga a la influencia de Los Soprano al mundo seriéfilo si gracias a ello, y a Tony, nos han llegado estas obras maestras. Larga vida a Tony Soprano.

"No se caga donde se come. Y mucho menos se caga donde como yo" - Tony Soprano.

Sobre la importancia de la música en los videojuegos

Una vez escuché que cuando un producto artístico, como puede ser el cine, depende de otras artes, como la música, es que la obra no es bueno. Y un rabo.

Hoy vengo a hablar de la importancia de la música y los sonidos en el campo de los videojuegos. En las series que suelo ver también tiene una importancia brutal, como por ejemplo en Sons of Anarchy (de lo que hablé algo en el pasado blog sobre su final), y otras, como Breaking Bad o Juego de Tronos.

Y voy a empezar hablando de uno de los momentos relativamente cercanos en el tiempo que más me ha impactado: The Witcher 3 y la canción de Priscila. Simplemente escuchad.

Me parece sin duda uno de los momentos musicales más importantes y bonitos de la historia del videojuego, y lo digo sin ningún temor a equivocarme. En la escena vemos a nuestro protagonista, Geralt de Rivia, entrando con Zoltan en una posada en la que anuncian una actuación. No recuerdo bien como se llega aquí en la historia, creo que es buscando a Jaskier si mal no recuerdo. El caso, la canción relata con una voz jodidamente preciosa una historia de amor. O mejor dicho: la historia de amor. Una historia muy rocambolesca entre Yennefer y Geralt. Una historia que habla de monstruos, del destino, de cicatrices y, sobretodo, del olor a lila tan característico de nuestra bruja.

Pero las canciones míticas de The Witcher 3 no se quedan ahí. Me gustan especialmente los temas principales de los dos DLC.

El primero, del corto pero sobresaliente DLC Hearts of Stone, me hace recordar a una mezcla de ambiente marítimo, algo antiguo, con un toque siniestro, que clava a la perfección la trama del DLC. Además suena justo en la última escena de esta expansión. Qué decir, es una maravilla que te pone situación.

Por otro lado, la de Blood and Wine me gusta aún más. Con una voz bonita pero que, a la vez, da cierto miedo, escuchamos una canción popular de la región. Luego la canción tiene un momento de subidón que llama a la epica de The Witcher. Lo mejor de esta canción es que ya se nos había mostrado, junto con un personaje de esta expansión, antes de la salida del juego oficial con un tráiler cinemático espectacular. Juzguen ustedes.

Pero no solo de canciones concretas vive The Witcher 3. Toda, absolutamente toda su banda sonora original, es una delicia. Temas que acompañan los momentos de batalla más increíbles. Temas que te acompañan en tu cacería. Temas que parecen describir cada paisaje y ciudad que vemos. The Witcher 3 es una maravilla en todos y cada uno de sus aspectos, pero en el musical está un peldaño por encima de la mayoría de juegos tops. ¡Ah! Y todo esto sin mencionar el sonido ambiente del juego. Ir por los bosques montado encima de Sardinilla mientras buscamos algún contrato con el que toparnos para sacar unas míseras monedas y escuchar el sonido del aire mientras vemos como se mueven las hojas de los árboles al compás del viento. Eso, queridos amigos, no está pagado.

Pero bueno, ¡basta ya de fangirlear!...es broma, ahora viene Metal Gear Solid ¡JA!

Seré directo. Hay 3 temas principales que son santo y seña de la saga, dos de ellos además por el momento en el que aparecen. Sí, habéis adivinado: The Best Is Yet To Come, Main Theme y el memorable Snake Eater (¡Snaaaake Eateeeeeeer! Para los amigos). Sé que hay más temas, y hablaré de ellos, pero ahora vamos con estos.

The Best Is Yet To Come. Si te consideras gamer, y mira que odio esa palabra, has tenido que jugar a Metal Gear Solid 1 y te has tenido que emocionar con esta canción. La primera vez que la escuchamos es después de la introducción del juego, justo cuando Solid Snake llega al embarcadero y emerge del agua. Ahí ya se nos empieza a clavar la canción. Las otras veces que es escuchada es cuando Snake habla sobre su combate contra Big Boss en la celda tras la sesión de tortura, revelando que es su padre, y otra más cuando salvas a Meryl y esta cuenta como fue torturada. Pero sin duda, el momento más recordado junto al inicio, son los créditos con esta canción y paisajes de Alaska de fondo, mientras vemos los nombres de los héroes, porque no tienen otro nombre, que crearon esta joya, y escuchamos la voz de Meryl de fondo. Una puta obra maestra.

Y es que Metal Gear Solid 1 es el más mítico en cuanto a la música. Creo que cualquiera reconoceríamos el juego solo por sus temas principales. Aquí dejo algunos.

Con la segunda entrega de la saga llegó lo que muchos consideramos el tema principal de toda la saga, el  Main Theme de Sons of Liberty. Es una canción que me encanta. Tiene una intro que evoca a la tecnología punta. Luego un momento se subidón que nos hace recordar los momentos más intensos de la saga. Y este momento de subidón da paso a uno más lento, que personalmente rescata de mi  memoria todos los momentos finales de MGS. Ese momento final es esperanza y resignación. Es Snake con Meryl escapando en la moto de nieve. Es Raiden y Snake entre el tumulto de gente del final de MGS2. Es Big Boss frente a la tumba de The Boss. Es Solid abrazándose con Big Boss en MGS4. Ese final es de canción es todo en la saga.

Pero para mí el mejor sin duda es Snake Eater, el tema principal de Metal Gear Solid 3. Lo vemos por primera vez en los créditos iniciales del juego. Una canción que relata a la perfección lo que va a ser el juego: una lucha contra el entorno selvático y contra nosotros mismos. Pero después de esta sublime intro viene lo que es uno de los grandes momentos de la saga. Sin duda hablo del ascenso por las escaleras tras matar a The End. Después de enfrentarnos a un boss que se pasa el juego muerto (o en coma) y solo despierta para su última batalla frente a nosotros y que, además, si nos vence no nos mata, entramos a un túnel dónde solo escuchamos el viento correr por él. En frete nuestra tenemos unas escaleras que ascienden hasta donde alcanza la vista. Big Boss se dispone a subirlas con toda la pena del mundo de haber matado a un rival tan digno como The End. No me equivoco si digo que es el mejor combate de la saga. Ahí tenemos a Snake, ascendiendo. Ahora solo se escucha el monótono sonido metálico de sus pies al apoyarse en la escalera. Y entonces empieza. Cuando llevamos escasos segundos de ascenso empieza a cantar esa voz que nos maravilló en los créditos de entrada sin más acompañamiento musical que el sonido metálico del ascenso. La canción dura exactamente lo que tardamos en llegar a la cima de las escaleras. Es, sin duda, un momento al que todo jugador de este juego se le graba a fuego.

La saga Metal Gear Solid tiene muchos otros momentos musicales, como el Heavens Divide de Peace Walker, el Calling to the Night de Portable Ops, el Way to Fall de los créditos de MGS3, toda la música de fondo del primer MGS, la música de las alertas, la música de los Metal Gear de MSX… aquí dejo unos vídeos.

Otro de los grandes juegos que tiene una banda sonara espectacular es The Elder Scrolls V: Skyrim, y es que su tema principal ha pasado a la historia de los videojuegos como uno de los más conocidos.

Cantado en el idioma de los dragones si mal no recuerdo, nos amenizaba la espera en el menú principal, además de deleitarnos en tráilers y en algunos momentos del juego. Skyrim, como TW3, destaca por la melodía que acompaña cada paso que damos por las tierras de esta provincia. En fin, poco más que decir, otra maravilla de juego y de banda sonora.

Otros juegos que destacan por su increíble banda sonora son, a mi juicio, los Souls (Bloodborne incluido). Mi experiencia en la saga Souls se reduce a Dark Souls 2, 3 y Bloodborne. A Dark Souls 1 y Demon’s Soul desgraciadamente no he podido jugar. No obstante, ya que estoy poniendo temas más o menos míticos, creo que el más recordado por los jugadores de la saga lo tenemos en Dark Souls 1 y, posteriormente a modo de fan service increíble, en Dark Souls 3. Sin duda hablo del tema que suena en la lucha contra Gwyn.

Sin duda el tema gana importancia por el momento en el que es. Llegas al final del juego. El puto final. Después de pasar las más putas penurias que has pasado probablemente en tu vida jugando. Despues de haber estado en lugares precioso como Anor Londo o en lugares de mierda como la Ciudad Infectada, llegas a un sitio que está comido por la ceniza. Llegas contra todo pronóstico para vencer al señor de la primera llama para avivar esta y mantener el ciclo un tiempo más, para darle vida a la humanidad. Cuando estás frente a la niebla esperas un combate apoteósico. Un combate contra un ser mostruoso en un escenario todavía peor. Pero no, es un combate mano a mano, sin más ventaja del enemigo que su propia habilidad. Es un combate hasta fácil llegados a este punto de la partida. Y de fondo esta canción, que inspira la tranquilidad y la satisfacción de alguien que ha asumido su triste pero a la vez glorioso destino. Es simplemente perfecto. En Dark Souls 3 aparece en un momento TOP también. Tras completar la primera fase del Señor de las Cenizas, este adquiere las habilidades de Gwyn y lucha como él. Todo un homenaje al primer Souls…

Bloodborne también cuenta con una banda sonora magnifica que pega con temática lovecraftiana a las mil maravillas. Ese toque siniestro, apagado y celestial va en armonía perfecta con las calles de Yharnam. Tiene muchas épicas, pero la del Sueño del Cazador me encanta por su perfección al hacerse incombustible para nuestro oídos.

De Dark Souls 2 tengo poco que decir, salvo que, al igual que en Bloodborne, el tema principal de Majula ayuda mucho a sentirse a gusto en lo que es nuestro hogar.

Ya para ir terminando voy comentando algunas de las bandas sonoras que más me han gustado sin entrar en detalles.

La banda sonora de los God of War siempre me ha encantado, porque te motiva lo suficiente para entrar a machacar cráneos sin tirar de música electrónica barata. Lo hace con una música que podría ser de la época a la que pertenece la historia. O bueno, quizás no, pero la música tiene ese toque antiguo que le va perfecto.

La saga Grand Theft Auto no destaca quizás por una canción propia o algo similar, pero es indudable que las canciones que utilizan para sus juegos pasan a la historia. ¿Quién no recuerda La vida es una lenteja de Vice City? ¿O el Tatuado de GTA V? ¿O cuando en San Andreas sonaba el Welcome to the jungle de Guns n Roses? Todo temas míticos que han pasado la historia.

La saga Assassin’s Creed hoy por hoy está en caída libre, pese a que el último, Syndicate, me parece los mejores Assassin’s hasta la fecha, pero desgraciadamente las entregas anuales y la explotación de las mismas mecánicas ha hecho que la saga pierda aquel encanto que tenía. El mejor juego de la saga bajo mi punto de vista, es decir, el Assassin’s Creed 2, cuenta con unos temas francamente brillantes que nos acompañaban por Florencia, Venecia y demás localizaciones. El Ezio’s Family, los Tejados de Venecia, Earth… sin duda tiene muchos, pero el primero es mi favorito de calle. ¡Ay Ezio! ¡Qué bueno eras!

Y para terminar la banda sonora de un juego, bueno, mejor dicho una saga, de la que hace poco me pasé el último título: Hotline Miami. La segunda parte de Hotline Miami me ha maravillado de principio a fin. Raro es que yo me enganche a un juego con este apartado visual y siendo un indie, pues sinceramente no me suelen llamar pese a que he jugado a muchos y tengo varios en mi top de juegos, pero es que la saga Hotline Miami es sublime, tanto en lo frenético y placentero que resulta jugar (si no te da asco la violencia extrema) como en la importancia de su trama con sus giros inesperados y revelaciones finales que no te esperas de un juego así. Pero sin duda todo esto no sería posible sin una banda sonora de fondo que te incite al más puro y salvaje desenfreno. No digo más, dejo para mí la más mítica.

Y esto es todo, he querido hacer un pequeño repaso a los temas más emblemáticos y a la importancia de la música en el mundo del videojuego. Espero que el post haya sido de vuestro agrado y que los temas escogidos os molen.

Mr. Robot, el Dexter 2.0 y su final

Ayer terminé la primera temporada de Mr. Robot, y debo decir que hacía tiempo que no me sentía tan contento por haber empezado la serie. Debo matizar mis palabras. Normalmente, cuando empiezo una serie, esta lleva ya varias temporadas y la opinión generaliza sobre la serie me impulsa a verla. Con Mr. Robot no ha sido así. La serie solo lleva una temporada (la segunda ha empezado hace unos días) y es raro que le haya dado una oportunidad. Aunque ahora lo voy a hacer con Narcos, pero bueno, ya se sabe que soy gilipollas.

El caso, que me ha encantado, ha superado mis expectativas totalmente. No la considero una serie TOP porque para eso debe llevar varias temporadas, pero apunta muy alto. No obstante, ¿por qué me ha gustado tanto?

Son varios factores. Primero por el protagonista, Elliot. Se nos presenta a un hacker de verdad, como posiblemente sean los hackers de verdad y no como Ubisoft trata de hacerlos. Un chaval joven, con cara de loco, con bastantes rasgos antisociales. Una persona que apenas habla y rehúye el contacto físico innecesario hasta con sus seres queridos. Un personaje con sus traumas y sus paranoias, sus muchas paranoias. Un personaje que hackea a toda persona que conoce sin ningún fin especial, simplemente por conocerlos y saber manejarse con ellos. Además es adicto a la morfina, pero también es suficientemente inteligente para administrársela de tal forma que no le cree dependencia, aunque finalmente se salte sus reglas y acabe yonki perdido. Pero sin duda lo que más me llama de este personaje es su parecido con otro de los grandes personajes que ha dado el panorama televisivo: Dexter.

Dexter fue una de mis series preferidas hasta que la cagaron tremendamente según iban sumando temporadas. Y es que Elliot es un Dexter 2.0. El personaje de Dexter es un asesino en serie, un psicópata que tiene la necesidad de matar. Hago hincapié en esto, necesita matar para controlar sus instintos creados a raíz de un trauma infantil. Para ello, y con ayuda de su padre (ya muerto) crean una especie de código para que Dexter pueda canalizar ese instinto. Dicho código se basa en matar a personas culpables, a asesinos, que merezcan un destino peor que la muerte. Además, siempre que los mata sigue una especie de ritual, el cual termina con Dexter cogiendo una gota de sangre de la víctima y guardándola en una caja junto con otras gotas de sangre de sus otras víctimas. Es el trofeo de Dexter, y lo guarda pese a saber lo peligroso que puede ser si le descubren. Elliot es igual, pero en informático. Elliot no los mata, los mete entre rejas. Elliot se encarga de hackear a sus víctimas y orquestar todo de tal manera que la policía lo acabe arrestando. Al igual que Dexter, Elliot copia en un CD todos los datos que ha hackeado de la víctima y los guarda a modo de trofeos. Aclaro que no siempre los mete entre rejas, otras simplemente se cerciora de que haya cesado su actividad criminal.

Las similitudes con Dexter no terminan ahí, no. Dexter también es una persona con bastantes problemas a la hora de sociabilizar. Dexter es pura fachada. Elliot no es tan así, es cierto, pero su relación para con la gente es muy similar. Ambos personajes hablan consigo mismo constantemente con una voz en off que representa sus pensamientos. Muchas veces escuchamos más los monólogos internos del protagonista que su propia voz, y esto es algo que me encanta, pues es una manera de conectar y conocer más al personaje. Además, en el caso de Elliot, el actor es tan jodidamente bueno en cuanto a expresiones faciales que es un placer escucharle pensar.

Pero la mayor similitud, sin duda, es lo referente al padre. Ambos casos se guían por su padre, o más bien por las alucinaciones de este. En el caso de Dexter sirve para ayudarle avanzar en las victimas o para que no se desvíe del camino. En el caso de Elliot aún no lo tengo muy claro, pero es como si sacara la parte más oscura de él. Elliot no es consciente hasta casi el final que Mr. Robot, su padre, es su propio padre, ya que lo había olvidado (esto no me quedó muy claro, pero es como si Elliot se hubiera auto hackeado y añadido a su libro de trofeos). Y más aún, Elliot no es consciente de que su padre es una alucinación. Siempre que vemos al padre de Elliot en pantalla en realidad estamos viendo lo que hace Elliot, y en ese momento el propio Elliot es su mente atormentada y temerosa. Elliot no es que sea un cobarde, pero está lejos de ser un delincuente como lo es su padre, o lo que es lo mismo, el otro yo de Elliot. El protagonista parece totalmente inconsciente de lo que hace cuando actúa como su padre, y ni que decir tiene que no recuerda nada. Sólo en la recta final es consciente de todo y consigue alejarse de su “padre”, pero en un momento de crisis necesita que vuelva a él, y es sólo en ese momento cuando empieza a actuar como quiere y debe hacerlo Mr. Robot. Ambos protagonistas, Dexter y Elliot, tienen una vinculación fortísima con sus padres, solo que estos ya están muertos y son productos de su imaginación.

Y ya fuera de su parecido con Dexter, la serie sabe manejar al espectador. Nos vincula de una forma extraordinaria con el protagonista. Nos hace quererlo de verdad. Luego nos explican su plan, su glorioso plan de mandar la economía tal y como la conocemos a la mierda, de acabar con los poderosos y reclamar el poder para quién de verdad debe poseerlo: el pueblo. Y todo esto en Nueva York, ¿eh? La hostia. La serie es cruel. No da tregua ninguna a Elliot ni a sus amigos. Cuando parece que a Elliot le van bien las cosas surge algo que lo manda todo a la mierda. Inolvidable el final del capítulo de la fuga de la cárcel, cuando Elliot consigue lo imposible y al final su premio, salvar a la chica, se ve frustrado, pues desde el primer momento estuvo muerta. Esto es el mundo real Elliot, no encontraras a la princesa en el siguiente castillo, no, la princesa está muerta, y por tu culpa. Por otro lado, uno de los enormes puntos a favor de Mr. Robot es que no hay un villano definido. Es cierto que hay un personaje malo y que llega a irritar al espectador, pero poco a poco vas sintiendo una especie de compasión por él y, al final del todo, parece que se une a nuestro compañero en la lucha contra el mal, o lo que es lo mismo, Evil Corp. Pero ahí está la grandeza de la serie. Es cierto que se podría considerar a Evil Corp. como los malos, pues bueno, son los responsables indirectos de la muerte del padre y por tanto de todos los traumas de Elliot, pero en realidad el objetivo de fSociety no es joder a Evil Corp., es terminar con el poder de las grandes compañías y del control que estas ejercen sobre las personas. Terminar con la economía. La lucha de venganza contra Evil Corp. por la muerte de su padre la vemos a través de la amiga de infancia de Elliot, no de él. Y es más, la serie nos da en el último capítulo lo que queríamos: la destrucción (a priori parcial) de Evil Corp. y del sistema económico tal y como lo conocemos, pero el espectador no tiene la sensación de victoria. El espectador siente una especie de phantom pain al quedar muy insatisfecho con la consecución del plan. ¿Esto por qué es? Bueno, por un lado el hecho de no ver NADA del plan influye bastante. Simplemente pasa de un capítulo a otro. Vemos las consecuencias, las revoluciones globales, el suicidio en directo del presidente de Evil Corp., la depresión y la muerte anunciada de Allsafe, a los compañeros de hackeo de Mr. Robot no celebrar (salvo Darlene) porque no saben absolutamente nada del jefe... pero sin duda, lo que más produce este phantom pain es el propio Elliot. Un Elliot que no sabe qué ha pasado, no sabe qué ha hecho, no recuerda absolutamente nada de los últimos 3 días. No celebra, apenas habla, se dedica un tiempo a ver lo que ha conseguido pero con el rostro impasible, y le vemos caer otra vez en la locura buscando a propósito a su padre, haciendo que aparezca. Vemos un Elliot desesperando por encontrar a lo que se suponía que iba a ser el villano, Wellick, y es que este personaje desaparece totalmente después de haber conocido el plan de Elliot y, presumiblemente, haberlo ejecutado con él.

Mr. Robot es una serie que toca temas me encantan sociológicamente hablando. Mezcla temas como la tecnología, la humanidad, la psicología, el poder y la economía de manera magistral. Es una serie que me ha impactado muchísimo, como en su día lo hizo Dexter. Solo espero, y rezo a los dioses antiguos y a los modernos, al Señor de Luz y al Desconocido, porque esta serie no siga los pasos de Dexter y mantenga el altísimo nivel que ha tenido esta primera temporada.

“Fuck Society”

La mujer como producto en los videojuegos

Esta entrada está sacada tal cual de un trabajo que tuve que hacer con unos compañeros este año en la carrera. El trabajo, en principio, es el 90% sobre la mujer en la televisión, pero me empeñé en meter un apartado sobre este mismo tema pero en videojuegos (y a la profe le moló un huevo, joder). Por ello, el primer párrafo está un poco relacionado con el resto del trabajo. También decir que el tema tiene mucha mas miga, pero para aquel momento no procedía incluir. Y creo que para este blog está suficientemente bien. Si queréis que lo extienda más e investigue algo más hacedmelo saber. Dentro post:

En el mundo de los videojuegos también se utiliza esta forma de atraer al público, y es que no hay que olvidar que la mayoría de los consumidores de videojuegos son hombres[1], y por ello las compañías buscan llamar la atención de estos con diversas técnicas, entre las que se encuentra el uso de la mujer como reclamo. Es importante señalar que los protagonistas masculinos de los juegos no están diseñados con las mujeres en mente (salvo alguna excepción), en cambio muchas de las protagonistas femeninas sí, están diseñadas con los hombres en mente.

Quiet es un personaje del videojuego de sigilo y acción Metal Gear Solid V: The Phantom Pain.

La saga Metal Gear Solid ha contando siempre entre su elenco de personajes con figuras femeninas relevantes en el devenir de la historia de dichos juegos. Los personajes femeninos más destacados de la saga son varios, pero podemos mencionar a The Boss, EVA o Meryl entre los más importantes. El diseño de estos tres personajes citados está claramente orientado a los hombres, pues cuentan con atributos diseñados específicamente con ese fin, como puede ser grandes escotes o ropa ceñida que marcan sus curvas. No obstante, estos personajes siempre han tenido tal relevancia en la trama de los juegos que su aspecto pasaba a un segundo plano, poniendo por delante las inquietudes, pensamientos y filosofía de estos. Destacado es el papel de The Boss, personaje que, pese a estar diseñado para gustar físicamente a los hombres, su importancia es tal que sus ideales y su figura son el motor de una saga de más de 25 años de antigüedad.

El personaje que nos ocupa, Quiet, solo comparte con las otras tres su diseño enfocado a los hombres. Nos encontramos ante una experta francotiradora, incapaz de hablar, que batalla en Afganistán y Angola en 1984. El equipamiento que lleva no parece el más adecuado para una guerra, ya que va totalmente descubierta y sin ningún tipo de protección. El motivo de su vestimenta tiene una explicación que resulta ridícula, y es que (aviso spoiler), sufrió un grave accidente que le dejó al borde la muerte y solo pudo ser salvada mediante el uso de unas bacterias especiales que le posibilitaban respirar y alimentarse a través de la piel y el Sol, ya que debido al accidente carecía de pulmones. Dicha explicación va acorde con la fantasía de la saga, pero no quita la ridiculez de esta. El problema con este personaje va más allá, y es que, a diferencia de los otros personajes femeninos mencionados, apenas tiene peso en la saga, limitando su aparición en este único juego y sin ser mencionada en otros, además de aportar poco a la trama de este. Pero, por si había alguna duda de las intenciones del diseñador Hideo Kojima con este personaje, durante todo el juego tenemos montones de planos a sus pechos o a su culo, así como alguna de las escenas mas ridículas de la saga con ella bailando semi desnuda bajo la lluvia (no hay que olvidar que es un juego que representa la crudeza de la guerra y de las pérdidas que esta trae) que desentonan totalmente con el juego y la saga en sí. Por último, señalar, que se comercializó una figura de este personaje en la cual sus pechos son apretables. 

Como apunte final, el personaje toma el modelo de la actriz Stefanie Joosten, a la cual se le han aumentado los atributos femeninos en la imagen final del juego.

Lara Croft es la protagonista de la longeva y conocidísima saga Tomb Raider.

La saga Tomb Raider trata, por encima, de la arqueóloga Lara Croft que como si de una versión femenina de Indiana Jones, busca reliquias antiguas por todo el mundo. Desde la primera entrega de la saga publicada en 1996, se nos presenta una heroína fuerte y luchadora que se deja la piel por alcanzar los tesoros y reliquias mejor escondidas. Hasta aquí perfecto, pues la personalidad del personaje aparca los clichés de la mujer débil y adorable que vive por y para el hombre. Ahora bien, como con tantas otras protagonistas, falla su diseño por orientarlo al gusto de los hombres. Tenemos una heroína que se adentra en la jungla y en cuevas milenarias con una simple camiseta de tirantes con escote y unos shorts, vestimenta que a priori no parece la más adecuada para estos entornos. Destaca de este personaje, una vez más, sus figuras perfectas, con especial atención para el tamaño de sus pechos y escote. Desde el primer juego se hacía hincapié en resaltar su figura femenina por encima de todo. Es cierto que en tiempos en los que las máquinas apenas podían mover unos cuantos polígonos, se exageraban estos atributos para dejar claro su condición de mujer. El problema viene después, cuando la potencia de las máquinas aumenta y estas figuras se mantienen e incluso se explotan. Afortunadamente, las dos últimas entregas de la saga han supuesto un reboot tan necesario como acertado y nos presentan a una Lara más joven, más inexperta, igual de fuerte y luchadora y, además, con un modelado más realista.

Bayonetta es la protagonista de los juegos que llevan su nombre. Se trata de un juego de acción en el que manejamos a la bruja para luchar contra distintos enemigos. Aquí el personaje está sexualizado a propósito a modo de crítica o burla, pero eso no quita que muchos de los jugadores se fijen solo en la figura de la protagonista. Algo similar pasa con la protagonista del juego Lollipop Chainsaw. Finalmente, por mencionar una última protagonista cuyo diseño ha sido pensado para satisfacer las fantasías de los hombres, tenemos a Samus de la conocida saga Metroid. La protagonista es un caso similar al de Lara Croft, de mujer fuerte y luchadora. Se pasa la mayoría del juego embutida en una armadura que esconde su figura de mujer, pero cuando se la quita vemos a una protagonista con un traje extremadamente ajustado resaltando sus perfectas figuras.

Existen otros muchos ejemplos del uso del cuerpo de la mujer como reclamo para los hombres o la resaltación de las figuras de estas. Es significativo el uso que se le da en los juegos de lucha como Street Fighter, Mortal Kombat o Dead or Alive. En el caso de este último sucedió una cosa cuanto menos curiosa durante su desarrollo. Los diseñadores del juego querían hacer un juego más serio y con ello reducir el tamaño del sujetar de sus luchadoras para centrarse exclusivamente en el apartado jugable. Las quejas por los aficionados no tardaron en llegar pidiendo más pechos en el juego. Sobra decir que la compañía accedió y cumplió con los deseos de los aficionados.[2]

En muchos MMORPG (juegos multijugador masivo online) con ambientación medieval, es común el uso de armaduras ligeras y para nada protectoras para los personajes femeninos, como es en el caso de TERA.

Para finalizar señalar que también se ha usado el cuerpo de la mujer en la promoción del juego. Así pues tenemos el anuncio de Hitman Absolution en el que el Agente 47 es atacado por un grupo de monjas en traje de cuero y la forma de promocionar Saint’s Row: The Third con actrices porno o chicas en bikini en sus stands en las ferias más importantes de videojuegos.

El papel de la mujer en los videojuegos es algo que abarca mucho más de lo expuesto aquí y el uso de estas va más allá de lo meramente físico, siendo muchas veces simples personajes planos a los que rescatar o mostrándonos personajes débiles en comparación con los hombres. Afortunadamente esto está cambiando y poco a poco se nos van mostrando a mujeres en papeles protagonistas sin tener que sexualizarlas y mostrándolas como personas y no como poco más que objetos. Ahí tenemos los ejemplos de Ellie de The Last of Us, Jodie de Beyond: Two Souls o Faith de Mirror’s Edge.

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[1] http://www.theesa.com/wp-content/uploads/2015/04/ESA-Essential-Facts-2015.pdf

[2] Daniel Escandell, http://www.vandal.net/noticia/73515/los-aficionados-pidieron-pechos-mas-grandes-en-dead-or-alive-5/